Résumé

En un seul moment, tout peut changer. Mia, 17 ans, n'a aucun souvenir de l'accident : elle arrive uniquement à se rappeler avoir roulé le long de la route enneigée de l'Oregon avec sa famille. Puis, en un clin d'oeil, elle se retrouve observant son propre corps dévasté ... L'adolescente sera tiraillée entre l'envie de rejoindre ses parents dans l'au-delà et celle de se réveiller et de retrouver son petit ami et ses proches...

Avis

Adaptation du livre éponyme de Gayle Forman, Si je reste est un de ces films que chacun perçoit selon sa propre vision du monde, selon son propre vécu et selon ses propres émotions. Et c’est ce qui en fait toute sa beauté.

A mes yeux, ce film est construit de manière efficace, balançant le spectateur, tantôt dans des flash-back, tantôt dans la réalité brutale de l’hôpital et tantôt dans le pathos des personnages face à la mort de leurs proches. Cette articulation se fait de manière très habile, amenant toujours un sentiment de joie et d’amour lorsque nous suivons l’histoire de Mia Hall, avant de nous frapper, aussi brutalement que put  l’être l’accident, par la terrible réalité. Car ici l’hôpital est vraiment représenté comme le reflet d’un long couloir menant de la vie à la mort et c’est le bouleversement émotif de la jeune Mia qui la conduira à faire un choix. Le thème du choix est d’ailleurs au centre même de l’histoire puisque le jeune couple, Mia et Adam,  se fragilise face aux directions (musicales) de chacun. Mais ce qui fait aussi la force de ce récit, c’est que tous les éléments, qu’ils soient heureux ou tragiques, sont apportés avec une certaine douceur que véhicule l’actrice Chloë Grace Moretz. Elle porte, d’une certaine manière, tout le film sur ces épaules. Et c’est avec une grande surprise et une grande humilité qu’elle se livre ici, dans toute sa splendeur et sa fragilité, image contraire de son instrument, imposant et aux sons bruts et nerveux. Elle fait rayonner tout le petit monde qui s’articule autour d’elle avec une force qui nous transporte dans ses joies et ses douleurs de manière très intimiste. Ce rapprochement avec le spectateur s’opère, de manière moins conséquente puisque Mia parle à la première personne, avec le reste des personnages tous très forts à leur manière. Je voulais souligner là un casting vraiment remarquable avec un petit plus pour la scène du grand-père (joué par Stacey Keach) lorsqu’il s’adresse à Mia dans son lit d’hôpital. Son monologue est totalement bouleversant. On prend conscience de la fragilité de la vie mais surtout de l’importance des liens que l’on tisse, que ce soit sa famille, ses amis ou autres.

Ce film s’adresse aux adolescentes fleurs bleues. Mais, le sujet peut avoir une portée bien plus grande pour qui veut bien écouter son discours. Il est vrai que le récit est construit pour tirer les larmes des yeux des spectateurs (et il y parvient à merveille), mais avant tout, il raconte de beaux moments de vie. Et cela aussi, il le rend bien.

Réalisation : R.J. Cutler _ Durée : 1h46 _ Année : 2014 _ Genre : Drame _ E.U.

Résumé

Trente années après la destruction de la seconde Étoile de la mort, Luke Skywalker, le dernier Jedi en vie, a disparu. Le Premier Ordre, né des ruines de l'Empire galactique, fouille la galaxie pour le retrouver, tout comme la Résistance, une force militaire défendant la Nouvelle République. À la tête de la Résistance se trouve la sœur jumelle de Luke, la générale Leia Organa.

Poe Dameron, le meilleur pilote de la Résistance, est envoyé sur la planète Jakku pour mettre la main sur une carte permettant de localiser Luke, cachée par un vieil homme, Lor San Tekka. Celui-ci lui remet la carte au moment où le village est attaqué par les troupes du Premier Ordre, menées par le Capitaine Phasma et Kylo Ren, un puissant guerrier qui utilise le côté Obscur de la Force. Avant de se faire capturer, Dameron dissimule la carte dans son droïde BB-8, qui s'échappe à travers les dunes de la planète désertique et tombe finalement sur une pilleuse d'épaves solitaire, Rey.

Avis

Après autant d’attente, je suis enfin allé voir le nouvel épisode de la saga Star Wars. Ce n’est pas que je sois un grand fan de la saga mais tout l’engouement qu’il y a eu autour de cette sortie et l’intérêt grandissant de mon fils pour cet univers ont contribué à l’excitation de voir cette suite.

Et pour tout dire, j’ai adoré !

Bien sûr, après l’excitation du moment dans la salle de ciné, et un peu de recul, il faut se l’avouer, ce film n’est pas si parfait. Mais cela n’enlève rien au fait que j’ai adoré. Sur ce point, je ne changerai pas d’avis.

Après le rachat de Lucasfilm par Disney, il était très clair que nous devions nous attendre à une exploitation de la saga Star Wars, le gros bébé de George Lucas. Le projet est confié à J.J. Abrams à qui l’on doit les deux excellents Star Trek. Le monsieur est crédité à la réalisation et au scénario. Le souhait de Disney, promesses faites aux fans, était de réaliser une suite dans la continuité de la saga tout en leur donnant ce qu’ils attendaient. La promesse a-t-elle été tenue ? Pas vraiment.

Le plus gros défaut qui revient sans cesse dans les critiques du film, et je partage cet avis, c’est que l’épisode VII nous ressert quasiment à l’identique l’épisode IV.

Le film se construit presque à l’identique. On rencontre une jeune personne sur une planète déserte qui va rencontrer un droïde porteur d’un message pour la Résistance. Ils vont trouver assistance auprès d’un « vagabond » de l’espace, affronter les forces de « l’Empire » (ici le Premier Ordre), rejoindre les Rebelles et détruire une (énième) Etoile de la Mort. J’avoue que la première partie du film est très enthousiasmante et fonctionne parfaitement bien. L’idée de faire d’un Stormtrooper un allié de la Force, en la présence de l’acteur John Boyega, dynamise l’histoire. Sa rencontre avec Rey, jeune pilleuse d’épaves qui ne vit que dans l’espoir de revoir sa famille, et surtout sa fuite à bord du Faucon Millénium, aidé de la jeune fille, reste les moments les plus forts et les plus beaux du film. Il est clair que les possibilités numériques d’aujourd’hui permettent, enfin, de révéler toute la beauté du « vieux tas de ferraille » comme l’appelle sans cesse Han Solo. Le pilotage de la jeune Rey dans les ruines d’un destroyer de l’Empire nous offre des prises de vue encore jamais vues dans Star Wars.

Il faut avouer que cet épisode VII regorge de magnifiques combats de vaisseaux que ce soit, lors de l’attaque du Premier Ordre sur Takodana et la riposte des Rebelles ou encore le tire de la base StarKiller. La réalisation maîtrisée de J.J. Abrams  et la qualité des effets numériques actuels permettent de révéler visuellement l’énorme potentiel qui dormait pendant les six autres épisodes. De plus, la vision du réalisateur renouvelle l’aspect distant et statique de la réalisation de George Lucas. En effet, J.J. Abrams se permet plus de plans rapprochés, d’incursions dans les échanges et les combats, amenuisant la distance entre les personnages  et les spectateurs. Disons simplement que les visions modernes en matière de réalisation permettent bien mieux d’apprécier les qualités que recèle l’univers né de l’imagination de George Lucas. Il en est de même pour  la profondeur des personnages. Je trouve que ce nouvel opus est bien plus proche, bien plus intimiste que les autres épisodes. Le personnage de Finn est l’un des mieux exploités à ce titre. Malheureusement, concernant Kylo Ren, je trouve justement que cet aspect ne creuse pas encore assez dans ces tourments. C’est pourquoi j’espère que l’épisode VIII approfondira pleinement la crise et la déchirure de son humanité face à la Force qui torturent le personnage en se penchant sur les évènements de son passé. Je pense qu’il s’agit là d’un point crucial et qui se doit d’être aussi intensément exploité que possible. Rey reste le personnage énigmatique du film. On ne sait que très peu de choses sur elle, à part qu’elle est très sensible à la Force, qu’elle est douée en mécanique et qu’elle pilote comme une championne. Pleine de charisme, il nous reste encore tout à découvrir sur elle. Quant à Han solo, c’est un véritable plaisir que de revoir Harrison Ford dans son costume de contrebandier, accompagné de son ami de toujours Chewbacca. Dès sa première apparition une forte nostalgie et joie s’emparent de vous, comme si vous n’aviez pas vu un vieil ami depuis longtemps. Et le plus incroyable est que le personnage renvoie la même chose à l’écran. Lui et son acolyte font clairement partis des points positifs de ce film, là où la « Princesse » Leia brille par son manque de charisme. Les retrouvailles entre Han Solo et la Générale manquent complètement d’émotions.

J.J. Abrams nous offre une première partie des plus enthousiastes. Entre nouveaux personnages, démonstrations visuelles et nostalgie de la toute première trilogie, le monsieur a parfaitement su maîtriser son sujet. Le passage sur la planète Takodana et le repaire de Maz Kanata nous renvoie, avec nostalgie, dans les bars mal famés de l’épisode IV. On y retrouve des personnages  familiers, réalisés à l’ancienne sans effets numériques, et l’atmosphère festive et désinvolte de la première trilogie. Bien sûr, concernant les méchants, il n’était pas évident de passer après Dark Vador, le plus charismatique des méchants du space-opéra. Et pourtant, le personnage de Kylo Ren, lors de sa première apparition, renvoie quelque chose d’intense et de menaçant. Il possède une forte présence à l’écran et son pouvoir semble conséquent. Malheureusement, il perd fortement en intensité et en crédibilité lorsqu’il retire son masque. On y découvre un jeune homme au visage puéril, plein de doutes et de tourments et dont les traits, ce qui, à mon sens, est capital, ne renvoie aucune terreur ni méchanceté. Bien sûr, le personnage est encore jeune. Et il serait préférable pour la nouvelle trilogie qu’il devienne bien plus sombre que Dark Vador dans les épisodes suivants (sachant que son apprentissage du côté Obscur n’en est qu’à ses débuts). Mais là où le film se plante complètement concernant le Premier Ordre, hormis le fait qu’on ne sache rien de sa véritable idéologie, ni pourquoi il est parvenu à récupérer les armées de Clones et de Stormtroopers lors de la chute de l’Empire à la fin de l’épisode VI, c’est dans l’utilisation d’un dirigeant suprême à l’image de l’Empereur Palpatine. Non seulement son apparition est laide (on pense aussitôt qu’il est gigantesque avant de se rendre compte qu’il s’agit d’un hologramme), mais en plus il est réalisé avec des SFX dignes du début des années 2000. Il semble tout droit sorti d’un jeu vidéo inspiré du personnage de Tolkien mis en images par Peter Jackson dans Le Seigneur des anneaux : Gollum. C’est l’une des grandes faiblesses du film qui démontre un manque réel de volonté novatrice de la part de Disney. Il en va de même pour la bataille finale qui renvoie directement à celle de l’épisode IV et VI. Encore une fois, les méchants construisent une Etoile de la Mort, ici nommée StarKiller, certes d’une dimension et beauté incomparable, mais le résultat reste le même. Les actions des Rebelles sont identiques, détruire le cœur de l’arme. La seule différence entre ce final et celui de la précédente trilogie se trouve dans la qualité du visuel et le déplacement de l’intrigue. Je m’explique. Dans l’épisode IV : Un nouvel espoir, l’intrigue se concentre sur Luke et l’affrontement  entre Dark Vador et Obi-Wan. Ici, l’intrigue se joue entre Han Solo et Ben Solo, premièrement, puis entre l’affrontement final entre Rey et Kylo Ren. Mais malgré ces quelques différences, très maigres différences, le renouvellement de l’histoire manque et il affaiblit promptement la crédibilité du film et, plus encore, l’entreprise de Disney vis-à-vis de la franchise Star Wars.

Cette seconde partie du film démontre clairement la volonté de Disney de surfer sur du produit sûr afin de rentabiliser concrètement ses acquisitions de biens (ici Lucasfilm). En effet, la Walt Disney Compagny joue à l’encontre des précédentes réalisations Star Wars. Elle nous offre un film nostalgique, ce qui cache en vérité un reboot de la saga de George Lucas. C’est une manière pour la firme de se réapproprier complètement l’univers de la saga en y imposant leurs propres bases tout en gardant un semblant (faux-semblant ?) de la trilogie d’origine. Car il est clair que la prélogie, commencée en 1999, qui racontait l’histoire d’Anakin Skywalker, et donc la naissance de Dark Vador, a totalement été mise aux oubliettes. Et la scène qui le prouve clairement est celle où la Star Killer (une nouvelle menace à l’image de Disney) détruit les planètes du Sénat, symbole de l’aspect politique de la prélogie. La nouvelle trilogie met au banc l’aspect politique de la saga pour ne s’intéresser qu’au combat du Bien contre le Mal (une dualité qui ressort de tous les films Disney). Une autre caractéristique qui démontre que Disney ne joue que sur des acquis, c’est le manque total de nouveauté en matière de vaisseaux et autres machines. Là où George Lucas s’efforçait à chaque épisode de créer des nouvelles machines et créatures, créant ainsi une extension dans l’imaginaire de la saga, Disney ne fait que rénover des décors et des costumes déjà existants.

Loin du conflit entre l’imaginaire de George Lucas,  l’attente des fans et le capitalisme de Disney qui vise un nouveau et plus large public, Star Wars épisode VII : Le réveil de la Force possède de véritables qualités qui en font un très bon épisode. Naturellement, le film joue sur la nostalgie de la première trilogie remise au goût du jour par des SFX, numériques et « plastiques » de bien meilleures qualités et une réalisation adéquate. Revoir tous ces personnages, tous ces vieux vaisseaux disparus de la prélogie et faire de Luke Skywalker une icône mystique, à l’image de Dark Vador, tout cela ne peut qu’être positif pour le film. Mais là où il perd en qualité, c’est dans le peu d’éléments que Disney tente de mettre en place comme les visages des nouveaux méchants ou la redondance de la même grande arme ultime. Mais faut avouer que la firme parvient tout de même à nous satisfaire grâce à des passages comme celui où Han Solo apparaît, traînant toujours des embrouilles derrière lui, où encore avec le passé alléchant qui lie Luke et Kylo Ren (chef des chevaliers de Ren, mais qu’est-ce donc ?).

Il est clair que cet épisode n’a pas fini de faire parler de lui. Surtout qu’il continue d’engendrer autant les polémiques que les milliards. Il faut espérer que la suite sera bien meilleure et surtout plus novatrice. On attend beaucoup du passé de Kylo Ren et de son devenir en tant que grand méchant Sith. On espère des moments forts entre Luke et Rey. Et on souhaite en apprendre plus sur  le mystère qui plane autour de Snoke et de son ordre.

Réalisation : J.J. Abrams _ Durée : 2h15 _ Année : 2015 _ Genre : Science-fiction, Aventures _ Américain.

Avis

Peter Quill est un aventurier traqué par tous les chasseurs de primes pour avoir volé un mystérieux globe convoité par le puissant Ronan, dont les agissements menacent l’univers tout entier. Lorsqu’il découvre le véritable pouvoir de ce globe et la menace qui pèse sur la galaxie, il conclut une alliance fragile avec quatre aliens disparates : Rocket, un raton laveur fin tireur, Groot, un humanoïde semblable à un arbre, l’énigmatique et mortelle Gamora, et Drax le Destructeur, qui ne rêve que de vengeance. En les ralliant à sa cause, il les convainc de livrer un ultime combat aussi désespéré soit-il pour sauver ce qui peut encore l’être …

Résumé

Pour moi, ce film fait partie des plus aboutis des films Marvel. Bien sûr, beaucoup le critique dans la simplicité de son scénario ou encore dans ses personnages badasses. Mais quoi ?! C’est pas ça Les Gardiens de la Galaxie ? Une bande de héros improbables, aussi imprévisibles qu’incroyables ?!!

Ce film nous offre un casting parfait : Groot est hilarant et attachant, Rocket est criant de réalisme, Zoe Saldana et Karen Gillan sont incroyables dans leur rôle de  « filles » de Thanos, Dave Bautista est parfait en Drax et Chris Pratt est super en Peter Quill. On voit enfin Thanos dans toute sa magnificence, quant à Ronan l’accusateur, il est l’image même du méchant mégalomane. Tout ce petit monde s’anime sur un score explosif digne des meilleurs space-opéra. Mais là où le film trouve sa subtilité, c’est dans sa bande-son particulière qui reprend des chansons de la fin des années 70, début 80; une musique que Peter Quill considère comme un héritage de sa mère décédée au début du film. Et c’est avec tous ces éléments et bien plus (car il y a encore bien plus de personnages, de décors etc… dans ce film) que James Gunn, le réalisateur, parvient à créer une alchimie parfaite. Le film ne cesse de nous balancer du drame au comique, du fun  au sérieux, du calme à la guerre sans jamais perdre son rythme, avec une légèreté et un savoir-faire qu’on ne peut que saluer. Le film fait des clins d’œil au cinéma de science-fiction avec ses magnifiques guerres spatiales, L’accusateur et son regard de Sith, ses décors rétro-futuristes tout en alimentant à chaque instant l’univers propre au Marvel cosmique (l’orbe, les Célestes, la prison Kyln, Les Nova…). Ce qui pour les non-initiés peut parfaitement devenir un handicap pour apprécier pleinement le film. Mais comment bouder une telle réussite, surtout qu’il s’agit du premier film cosmique de l’univers Marvel, c’est-à-dire une pierre angulaire du Marvel Cinematic Universe que le studio met en place depuis le premier Iron Man.

Pour moi, ce film représente plus que la réussite parfaite d’un comics transposé au grand écran, c’est tout un univers en devenir. Le film parvient à conserver l’ambiance qui émanait des comics tout en apportant sa propre respiration cinématographique. Un aspect qui devient de plus en plus fréquent depuis le début de la phase 2. Pour notre plus grand plaisir.

Réalisation : James Gunn _ Durée : 2h00 _ Année : 2014 _ Genre : SF, Super-Héros _ EU

Résumé

Alors qu’il rentre à sa base, l’équipage de l’Enterprise doit faire face à des forces terroristes implacables au sein même de son organisation. L’ennemi a fait exploser la flotte et tout ce qu’elle représentait, plongeant notre monde dans le chaos…

Dans un monde en guerre, le Capitaine Kirk, animé par la vengeance, se lance dans une véritable chasse à l’homme, pour neutraliser celui qui représente à lui seul une arme de destruction massive.

Nos héros entrent dans un jeu d’échecs mortel. L’amour sera menacé, des amitiés seront brisées et des sacrifices devront être faits dans la seule famille qu’il reste à Kirk : son équipe.

Avis

Après avoir réalisé le premier reboot/suite StarTrek, J.J. Abrams réalise cette suite toute aussi incroyable et grandiose. Le genre Science-fictionnelle vient encore de s’élever d’un cran.

Comme je l’avais déjà précisé lors de l’article sur Star Trek, je ne suis pas du tout un fan de la série d’origine, tout simplement parce que j’étais gamin à l’époque. Je n’ai que de vagues souvenirs de certains passages. Mais cela ne m’a  pas empêché de savourer le premier opus réalisé par J.J. Abrams. Et c’est avec une grande joie que j’ai regardé cette suite tout simplement incroyable et grandiose.

Sans faire l’amalgame des clins d’œil faits aux fans de la série d’origine, tout simplement parce que j’en suis incapable, je vais décrire mon ressenti sur le film lui-même.

Pour commencer, et c’était déjà le cas lors du premier opus, le scénario est  sacrément bien construit. Le fils conducteur est clair et sans fioriture. L’histoire va à l’essentiel. L’importance et la profondeur des personnages suffisent à lui donner sa consistance. Les scènes d’action sont savamment dosées et servent pleinement l’intrigue. J.J. Abrams ne cherchent pas à faire dans le démonstratif ou à en mettre plein la vue.  Et même si beaucoup s’évertuent à critiquer son utilisation excessive de « lens flare », moi, cela ne m’a pas du tout gêné. La tension monte à de nombreuses reprises, trouvant toujours un relâchement afin que le spectateur reprenne son souffle, avec toujours, de manière omniprésent, un humour adéquat. Quant au final, il est tout simplement à couper le souffle. Une scène incroyable qui nous renvoie au twist qui conclut l’introduction de Star Wars épisode III : La revanche des Sith (le crash du vaisseau du Comte Dooku sur la cité de Coruscant), mais qui n’a vraiment rien à lui envier tellement celle-ci est de meilleure.

La réalisation est donc parfaitement maîtrisée, voire même léchée, pour ne pas dire académique. En effet, J.J. Abrams réalise le film avec une totale simplicité et une pleine efficacité sans débordement de quelque genre que ce soit. Il semble même presque atteindre une certaine perfection dans sa réalisation qui, pour autant, n’entrave rien au résultat. Car dans certains cas, un style trop « académique » peut engendrer une perdition de l’âme d’un film, de son histoire. Mais là au contraire, le style de J.J. Abrams renforce le potentiel déjà exposé et sous-jacent de l’univers Star Trek. Il suffitde regarder la scène de plongeon du Capitaine Kirk et de Khan, d’un vaisseau à l’autre, à travers une pluie de débris ; ou encore l’efficacité de la scène d’ouverture où se mêle humour, bravoure et spectaculaire dans laquelle Spock tente de faire exploser un volcan qui menace de détruire une planète abritant une civilisation indigène naissante. Et là, il ne s’agit que de quelques exemples parmi d’autres. Le réalisateur fait preuve d’un savoir-faire indéniable qui, on l’espère, donnera justice à l’univers de Star Wars (ce qui semble être le cas à la lecture des premières critiques).

Pour en revenir à Star Trek into Darkness, le film s’offre un casting des plus parfaits ; la grande majorité étant déjà présente dans le premier opus. Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, John Cho et Simon Pegg, à qui viennent s’ajouter Alice Eve et Anton Yelchin, donnent à l’équipage de l’Enterprise un visage intense, jeune et plein de force ; un équipage qui doit affronter un ennemi redoutable en la personne de Benedict Cumberbatch, indiscutablement l’un des méchant les plus forts et charismatiques du cinéma. L’acteur possède une telle densité dans son regard que, ce simple aspect de sa personne suffit à imposer une atmosphère de terreur et de défiance à son encontre. Pourtant, il renvoie aussi, à l’opposé du sentiment d’inquiétude qui émane de lui, une certaine aura de mystère et de compassion. Personnage complexe et torturé, à la fois calme et stoïque, à la force surprenante et à l’intelligence supérieure, Khan domine l’entièreté du film ce qui en fait, au final, le personnage principal.

Star Trek into Darkness est bien plus qu’une simple suite. Il est un film de SF à part entière, d’une qualité indiscutable, ce qui en fait, bien entendu, une grande référence dans le genre.

Réalisation : J.J. Abrams _ Durée : 2h10 _ Année  2013 _  Genre : Science-fiction, Aventures, Space-opéra, Action _ Américain.

Résumé

Tandis qu'une brume étrange semble envelopper une petite ville du Maine, David Drayton et son jeune fils Billy se retrouvent pris au piège dans un supermarché, en compagnie d'autres habitants terrorisés. David ne tarde pas à s'apercevoir que le brouillard est peuplé d'inquiétantes créatures...

Leur seule chance à tous de s'en sortir consiste à s'unir. Mais est-ce possible quand on connaît la nature humaine ? Alors que certains cèdent à la panique, David se demande ce qui est le plus effrayant : les monstres qui rôdent dans la brume ou ses semblables réfugiés dans le supermarché ?

Avis

The Mist est l’adaptation d’une célèbre nouvelle de Stephen King intitulée Brume. La réalisation est attribuée à Frank Darabont qui n’en est pas à son premier coup d’essai en matière d’adaptation des romans du Maître de l’horreur. En effet, il a déjà à son actif la réalisation du culte et sublime La ligne verte et du non moins connu et tout aussi marquant Les évadés. En clair, il s’agit de deux grands films dont la réalisation est parfaitement maîtrisée et dont l’adaptation est très proche de la matière première. On était donc en droit d’attendre de Darabont le même résultat concernant la nouvelle Brume, même si, contrairement aux deux autres, cette histoire appartient au genre horrifique, une première pour lui.

Pour ma part, le film n’est pas une complète réussite. Premièrement, concernant l’adaptation, Darabont a lui-même rédigé le scénario afin de conserver au mieux les écrits de Stephen King. Pour l’histoire à proprement parler, l’adaptation tient la route (hormis une différence de taille pour la conclusion, mais j’y reviendrai). Là où il y a un problème, c’est dans les dialogues qui ont conservé les mêmes intonations que dans la nouvelle. Les différents échanges entre les personnages fonctionnent à l’écrit. Mais ils perdent toute leur crédibilité à l’oral car Darabont  se cantonne  au ton littéraire de King sans transformer les échanges dans un contexte oral. Ce qui a pour effet de rendre les dialogues surjoués. Un rendu renforcé par des jeux d’acteurs complètement inégaux et qui a pour résultat un film déséquilibré, qui se perd entre le téléfilm haut de gamme ou le film de série B. On peut ajouter à cela des effets spéciaux pas toujours maîtrisés, malgré parfois de très beaux passages (comme le monstre géant de la fin).

Darabont, à cause d’un mauvais casting, perd de sa crédibilité concernant les sujets abordés durant le film ; des sujets qui auraient dû faire monter à la fois le suspense et l’épouvante. Je parle bien sûr du relationnel entre les personnages face à une telle situation de peur et d’ignorance, ce qui amène quasiment de manière obligatoire les croyances théologiques et tous les fanatismes qu’elles peuvent engendrer. Le personnage de Madame Carmody se devait d’être terrifiant à l’image de Christabella dans le grandiose Silent Hill de Christophe Gans. Au lieu de cela, elle freine grandement l’intensité du film et brise l’atmosphère de peur que la brume et ses monstres doivent engendrer. Et cet effet ne cesse de se répéter par une mauvaise direction d’acteurs qui eux-mêmes ne semblent pas croire en leur rôle.

Pour revenir sur la conclusion que j’ai évoquée tout à l’heure, je tiens à souligner mon incompréhension face un tel revirement de la part de Frank Darabont. Ayant lu le livre de Stephen King, je suis surpris par la direction diamétralement opposée que prend l’histoire sur la fin. La nouvelle se termine sur une touche d’espoir. C’est d’ailleurs cet espoir et la volonté de vivre qui pousse tout ce petit groupe à sortir du magasin et à fuir au péril de leur vie. Alors je demande pourquoi, ils en arrivent [SPOILERS] à se suicider au moment où la voiture se retrouve en panne d’essence sans même chercher à fuir à travers la brume ? Comment ce petit groupe si fort finit aussi lamentablement par se résigner ? Et surtout comment ce père prêt à tout pour sauver son fils peut-il finalement lui tirer une balle ? Pendant le film, lorsque la brume surgit, une femme quitte le magasin en ayant demandé de l’aide aux autres personnes présentes. Personne n’accepte de l’accompagner et elle finit par quitter le magasin seule et s’engouffre dans l’épais brouillard. Cette femme, Darabont nous la remontre à la fin. Elle est sauvée par l’armée et surtout, elle est accompagnée de ses deux enfants. Son regard croise alors celui de David Drayton, lui qui vient de tuer de ses mains son fils. On peut se demander pourquoi Darabont a choisi une fin aussi brutale, plus brutale que celle imaginée par Stephen King, pourtant le maître dans le domaine de l’horreur.  Son discours était-il que tout doit être tenté pour sauver ses enfants ? Mais pourquoi alors avoir changé l’esprit de son « héros » qui n’avait, à mon sens, pas l’air si désespéré au point d’en arriver à cette extrémité.

Pour beaucoup, cette fin est ce qui relève le niveau du film. Pour moi, elle n’est pas justifiée.

The Mist, c’est la volonté d’un bon réalisateur de mettre sur pellicule le récit d’un grand Maître. Malheureusement, une grande volonté ne fait pas tout lorsqu’on n’est pas bien entouré. Et ce film bien qu’il soit tout de même très divertissant, possède trop de mauvais côtés pour être aussi pertinent que la nouvelle de Stephen King.

Pour finir, je tenais à souligner qu’il existe une version du réalisateur qui se trouve être une version « noir et blanc » (elle renvoie à ces vieux films américains de monstres, avis aux amateurs).

PS : concernant les adaptations d’œuvre de Stephen King, le projet de La Tour Sombre semble être à nouveau d’actualité. D’ailleurs, on peut noter que dans l’atelier du personnage David Drayton, on retrouve des peintures  d’affiches de films d’horreur comme The Thing de John Carpenter  et une couverture du roman de La Tour Sombre.

Réalisation : Frank Darabont _ Durée : 2h00 _ Année : 2008 _ Genre : Horreur _ Américain